Libro despues del fin del arte pdf

Esto significa dos cosas. El arte puede ser lo que quieran los artistas y los patrocinadores. En lugar de individuos forzados a «una particular, exclusiva esfera de actividad», escribieron que «cada uno se puede realizar en la rama que desee». Esto no implica que todo el arte sea igual o indiferenciadamente bueno. Esto es lo que quiero decir con el fin del arte. Significa el fin de cierto relato que se ha desplegado en la historia del arte durante siglos, y que ha alcanzado su fin al liberarse de los conflictos de una clase inevitable en la era de los manifiestos.

Por supuesto, hay dos maneras de liberarse de conflictos. Una manera es eliminar todo lo que no se ajusta a nuestro manifiesto. Donde no hay bosnios, no hay conflictos con los serbios. Mire alrededor.

Daniel-Henry Kahnweiler , Pablo Picasso, Cedido por Gilbert W. Chapman en memoria de Charles B. Goodspeed, No hay nada que reemplazar: uno puede, volviendo a la frase de Warhol, ser un expresionista abstracto, o un artista pop, o un realista, o cualquier cosa. No se puede hacer cualquier cosa. Un artista dotado no puede hacer lo que fuere.

Todo es posible en el mismo sentido en que en ciertas cosas no eran posibles para un europeo o un africano. No obstante, estamos encerrados dentro de la historia. En consecuencia, la mimesis, a mi criterio, es un estilo. Y porque hubo muchas definiciones en esa era, fue inevitable que adolecieran de cierta intolerancia y dogmatismo. Esto tuvo lugar aproximadamente alrededor de La obra de arte no tiene que ser de un modo en especial.

Es el fin del relato. No tengo nada que decir acerca de esto. Con esto, retorno a mi propio relato, y empiezo con el primer gran relato del arte, a saber, el de Vasari. Esto afecta a su vez al sistema visual de la misma manera que a las superficies visuales del mundo.

Creo que no hay nada en la ciencia que tenga el papel que tiene el sistema visual en el arte. Hay un progreso en las representaciones, las cuales no necesitan, excepto en la periferia, conectarse con la experiencia. El mundo de la ciencia nos muestra que no es necesario imitar al mundo que nos revelan nuestros sentidos. Fue este modelo de pintura el que hizo que la gente dijera inmediatamente que la pintura modernista no era arte.

Los artistas no tratan de pintar y fracasan. Realmente, nadie hubiera podido hacerlo antes de que lo permitiera el advenimiento del modernismo. Con eso quiere decir que ese arte responde a «un estado del alma desinteresadamente apasionado».

Es decir, a menos que sea enteramente estetizado. No es obvio que Fry de hecho haya dominado el «lenguaje». Eso realmente no ha ocurrido. Pienso que aun cuando estamos acostumbrados al cubismo en un sentido los paisajes cubistas, los retratos, o las naturalezas muertas forman parte del stock propio de un museo , y aunque nadie tiene mayor dificultad para «leer» pinturas cubistas, ellas se resisten a volverse tan transparentes como un lenguaje con cuya escritura estamos familiarizados.

La familiaridad no lo ha hecho natural en absoluto. Ni Fry ni Kahnweiler, me parece, estaban preparados para decir que el nuevo arte era realmente nuevo, o nuevo de manera diferente. Reproducido con permiso de Life Magazine, 9 de agosto de Su problema es concebir la historia de algo que carece de una historia «propia».

Un cambio interno sucede en el interior de una totalidad cultural, dejando intacto el complejo subyacente. No obstante, hay otra forma de leerlas. El arte es entonces su propio sujeto y, en el caso de la pintura, que esencialmente importa a Greenberg, el sujeto de la pintura fue ella misma. Y siendo verdad esta esencia, cada obra modernista estaba obligada a «eliminar… cualquier y todo efecto que pudiera concebirse como prestado desde o por los medios de otro arte». Para Kant hay una forma de conocimiento puro cuando «carece absolutamente de empirismo», es decir, cuando es conocimiento puro a priori.

En esto pertenece a la era de los manifiestos, tanto como Mondrian, Malevich o Reinhardt, quienes intentaron definir la pintura pura. Las direcciones internas del modernismo, como Greenberg las vio, fueron desde el principio al fin fundacionalistas. Una obra de arte, parafraseando la famosa sentencia, no debe significar sino ser. Greenberg parece haberse vuelto sensible a este dilema. En su famoso ensayo «La crisis de la pintura de caballete» de , describe las consecuencias de los impulsos que conducen al modernismo.

El neoplasticismo es formalmente abstracto. Pollock, en cierto sentido, fue un materialista abstracto. Todo esto, creo, se puede admitir, sin ese materialismo profundamente sensible de Greenberg, que expresa en un pasaje muy discutido en «Modernist Painting»: Las artes realistas y naturalistas tuvieron que disimular el medio, usando el arte para ocultar el arte. Las pinturas de Manet fueron las primeras modernistas en virtud de la franqueza con que declararon las superficies planas donde estaban pintadas.

Ver la pintura como un mero pintar significa verla desde el punto de vista del artista. Hubo un ascenso a un nuevo nivel de conciencia sin que, necesariamente, aquellos que lo ejecutaron tuvieran conciencia de ello. El modernismo no fue tan riguroso. El mobiliario de los Shakers parece fusionar claramente la utilidad y la belleza. Si el arte carece de belleza o «calidad» es schlecht.

Greenberg dedujo dos dogmas de su lectura de Kant. Parafraseando a Greenberg, estar seriamente interesados en el arte es estar seriamente interesados en lo bueno en el arte. Por ejemplo, su confianza de que lo bueno en el arte es en todo lugar y siempre lo mismo refuerza su apertura hacia virtudes que otros, en ese tiempo, no fueron capaces de ver y explica que haya identificado anticipadamente como un gran pintor a Jackson Pollock.

Warhol pudo declarar que cualquiera puede ser un artista; pudo hacer divertida la idea de que la pintura debe ser algo que se arranca del alma del artista. La cinta es como la memoria de la caja acerca de su propio llegar a ser, y la obra tiene al menos un comentario que hacer sobre el problema mente-cuerpo. No hay nada alrededor de esto. La obra de arte superior, incluso si danza, irradia, explota o simplemente se ofrece para ser visible o audible o descifrable , exhibe, en otras palabras, «justeza de formas».

Esto ciertamente no pasa. El arte abstracto es un medio maravilloso para aprender a ver el arte en general. Usted aprecia completamente a los viejos maestros al mismo tiempo que puede distinguir un buen Mondrian o un buen Pollock de uno malo». Los artistas modernistas fueron realmente influidos por el arte primitivo.

Por supuesto, en el caso de los seres humanos hay factores complejos. La ruina connota el tiempo inexorable, la decadencia de la fuerza, la inevitabilidad de la muerte.

Pensamos en las primaveras de A. Pocos llegaron a tanto. Se puede decir que lo hizo desatendiendo los imperativos del modernismo con los que Greenberg estaba totalmente comprometido. Finalmente, Greenberg no fue capaz de tomar en serio al arte pop.

Pero el hecho de que la verdadera originalidad de Crivelli se haga visible va en contra de un relato evolutivo definido. De la misma manera, las momias naturales preservadas del cambio nos dan acceso a estadios primitivos de nosotros mismos.

Esas cosas eran todas tan preciosas que estaban valoradas en cien mil gulden. Pero esto merece una o dos palabras. No concuerda con el testimonio de su propia memoria. Cuando fui al Trocadero fue desagradable. El mercadillo.

El olor. Pero no me fui. En absoluto. Las esculturas negras eran intercesoras. Eran armas. Pero el arte africano fue creado por su poder sobre las oscuras fuerzas del mundo amenazante. Hace tiempo que esta esperanza ha probado ser ilusoria». Pero no es el modo en que veo las cosas. Todo es posible. Todo puede ser arte. Cellini fue un escultor, pero su Perseo no es mejor que el salero que hizo para la mesa del rey. El pluralismo del presente mundo del arte define al artista ideal como pluralista.

Consideremos el caso de Edward Hopper. El expresionismo abstracto, incluso el alto modernismo, intersectan esa historia como un meteoro intersecta el ritmo ordinario de los planetas del sistema solar.

Consideremos el tratamiento del desnudo. La pintura muestra el desnudo como modelo, una de las formas en las que una mujer aparece desvestida naturalmente. No hay nada especialmente moderno en esas pinturas de Hopper: era, virtualmente, como si el final del siglo XIX continuara encapsulado en el siglo xx, y como si el modernismo, tal como lo entendemos, no hubiese sucedido nunca. Sin embargo, el modernismo es un concepto que tuvo un desarrollo. De hecho, Hopper fue incluido en la segunda muestra «Pinturas de diecinueve norteamericanos vivos», del Museo de Arte Moderno, en De cualquier manera, en lo «moderno» implicaba una tremenda diversidad en el arte: los impresionistas y postimpresionistas, incluyendo Rousseau; los surrealistas, los fauvistas y los cubistas.

Y, por supuesto, estaban los abstraccionistas, los suprematistas y los no objetivistas. Greenberg es un caso interesante para ser examinado bajo esta luz. Sabes que nunca vas a dejar de ser un pintor figurativo». Cuando los artistas muestran sus diapositivas y hablan sobre sus obras, habitualmente informan sobre aspectos decisivos en su desarrollo.

Fue como si los artistas empezaran a cerrar la brecha entre el arte y la realidad. Sin embargo, nada en la literatura lo explica. E incluso siendo artefactos, el paralelo entre ellos y lo que hizo Warhol era exacto. Ambos son progresivos. Era como el abad de Theleme de Rabelais, cuyo mandato era un antimandato «Fay ce que voudras» haz lo que quieras. Pintar casas solitarias de Nueva Inglaterra o hacer mujeres fuera de la pintura o hacer cajas o pintar cuadrados.

De hecho, no hay direcciones. El pop se ajusta perfectamente a esto. En Alemania el poderoso movimiento del realismo capitalista de Sigmar Polke y Gerhard Richter estaba directamente inspirado por el pop. Existe una diferencia entre el pop en el arte refinado, el pop como arte refinado, y el arte pop como tal. El arte pop es tan excitante porque es transfigurativo. En contraste, el expresionismo abstracto estaba relacionado con los procesos ocultos, predicados en las premisas surrealistas.

Sus practicantes buscaban ser chamanes, en contacto con las fuerzas primordiales. Por ejemplo, en Lichtenstein hay un nivel de burla de las pretensiones del expresionismo abstracto. El pop se opuso al arte como totalidad en favor de la vida real. Cualesquiera sean los programas sociales eran coherentes con aquello.

No existe en la historia un hecho como el de haber realizado algo antes. Este parecido entre Duchamp y el pop nos puede ayudar a ver el pop. Las semejanzas son menos sorprendentes que las que hay entre la Brillo Box y las cajas de Brillo ordinarias. Homo Duplex de Sean Scully. Cuando no hubo tal meta, terminaron los relatos del modernismo, incluso para la pintura.

La nueva inteligentsia se complace en eliminarlo por completo». En el caso de October, la diferencia es que el arte que propugnaba supone marcos institucionales opuestos a los que definen el consumo del arte en la sociedad del «capitalismo avanzado».

Como vemos, incluso Greenberg expresaba sus reservas acerca de la pintura en un ensayo muy comentado de No importaba mucho que alguien hubiera intentado criticar los valores del capitalismo con sus pinturas: el mero hecho de que fueran pinturas implicaba un respaldo a las instituciones de la sociedad criticadas o hasta condenadas con su contenido. Creo que la pintura neoexpresionista fue una respuesta. Sin embargo, ahora era permisible. Era tiempo de reemplazarla por algo intelectualmente responsable como la ciencia.

Y a su vez los museos, subsidiados por las corporaciones, actuaban como factores conservadores del statu quo. Ellos quieren ocupar un lugar. Sus medios son radicales y deconstructivos, pero sus metas son conservadoras. Untitled Film Still , de Cindy Sherman. Cedido por la artista y Metro Pictures, Nueva York. Ahora deseo volver a mi propio relato. Y, pese a ser abstraccionista, es posible construir referencias internas y alusiones a momentos remotos de la historia del arte: a la pintura barroca y manierista, por ejemplo, si uno es David Reed.

Reed puede usar el espacio ilusionista aunque no es tan realista como Scully, quien puede usar el espacio real aunque no es un escultor. The Monocrome Show , Barbara Westman. Cedida por la artista. En la que Hege! Mucho arte de! Pero a la luz de la placer inmediato. Pero e! Hubo pintores que trabajaron en e! No dicha pregunta. Lo que me hizo ver esto fue la e indiferentemente arte. Sin embargo, yo estaba convencido de pseudocuestiones. Con Warhol queda claro que una obra de arte no debe ser de una manera en especial; puede parecer una caja de Brillo o una lata de sopa.

Pero sinsentido. Esto significa dos cosas. Pero esto significa que no hay indiferenciadamente bueno. Para el siglo pasado, e! Ahora podemos ver que este camino es errado, y con un se ha desplegado en la historia de! El arte puede ser lo que quieran los artistas y los supuesto, hay dos maneras de liberarse de conflictos.

Una manera es eliminar todo patrocinadores. Donde no hay bosnios, no hay conflictos con los serbios. Manifiesto comunista de Marx y Enge!

Mire documento, y que fue cada vez menos posible concebir dicha historia como alrededor. Ayer, Logical Positivism, Glencoe, m. Las invitaciones a las Llamo a esas descripciones oraciones narrativas: oraciones que describen un suceso Swenson, «What ls Pop Art? Y, por supuesto, ha habido muchas exposiciones de arte hechas antes del fin del arte. Hegel, Aesthetics, II trad. Alexandre Kojeve, Introduction a la lecture de Hegel, 2 ed. Cedido por Gilberr W. Chapman en memoria de Charles B. Ciertamente Giotto no hubiera podido hacerlo, distintos significados y satisfacen intenciones diferentes.

Philosophy of History. Un artista dotado no puede hacer lo que fuere. Y no hay manera de que estas impuesta. Se pintura de caballete sea inventada. En primera instancia ordenadores. No hay nada que que se puede ser un artista africano que pinta paisajes en perspectiva. Todo es reemplazar: uno puede, volviendo a la frase de Warhol, ser un expresionista posible en el mismo sentido en que abstracto, o un artista pop, o un realista, o cualquier cosa.

La mimesis no fue ideologizada hasta e! Esto tuvo agotado -naturalismo, digamos-o Ellos ya no necesitan creer, como Mondrian, que lugar aproximadamente alrededor de Consiste en ver e! En nuestro relato, hace obras de arte. Cada uno de esos el tiempo de obras de arte. No tengo nada que decir acerca de esto.

La semejanza con la realidad externa. Hay un progreso en las y la secuencia de conjeturas, refutaciones, y subsecuentes conjeturas es muy representaciones, las cuales no necesitan, excepto en la periferia, conectarse con la parecida a la secuencia de Gombrich del rechazo del esquema representacional en experiencia.

En la perceptivos inmutables. Si la explicar el arte. Se trata de la escultura de una animadora de competiciones deportivas hecha por un artista devoro Vasari no puede: adaptarse al arte de los postimpresionistas franceses. Fry tiene un del hiperrealismo. Y la historia de! La finalmente no era en absoluto esencial al propio arte.

Es decir a menos que sea escritura, en particular e! La familiaridad no lo ha hecho En e! La familiaridad no redujo las diferencias entre presente». Pero uno debe honrar a esos ha sido reemplazada por e! Me parece que, en ambos casos. Considero que e!

Pero esto es equivalente a argumentar que el arte es eterno yque no puede tener un comienzo, dado que los comienzos pertenecen a los relatos. Steve Lohr, «No Moare Mc]obs for? Brenda Richardson, Dr. No se puede reemplazado en su momento. Incluso aun cubismo representase un desarrollo con respecto al impresionismo. Entonces, con e! Es en todo caso un modo de representar la pareciera radical e! Un cambio interno sucede en e!

Este movimiento, desde diferente al de los que se pudieron tomar como etapas de un desarrollo lineal; e! Sin duda hay una buscar nuevos fundamentos para continuar. Todos los principales movimientos entrenamiento actoral, por ejemplo. No obstante hay otra forma de leerlas. Lo que un mundo del arte tan desestructurado como e! En esta lectura era como si el relato hacer Lo que no hay, me parece es I. El nue. Hemos optado por traducir literalmente del original: «moderno» «modernista», etc.

Esto corresponde al momento de la conocimiento puro cuando «carece absolutamente de empirismo», es decir cuando autoconciencia en que la pintura, por razones que no voy a intentar identificar, es conocimiento puro a priori.? El proyecto vasariano fue entonces un para hacer las actividades y empresas de la cultura objetos para ellas mismas. En esto pertenece a la era de los manifiestos, tanto como Mondrian, Malevich o Reinhardt, quienes intentaron definir la pintura pura.

Y ya en femenino de uno. He movimientos separatistas alrededor del mundo. El neoplasticismo es plana cubierta con pintura roja? Sin embargo, una cierto sentido, fue un materialista de las grandes lecciones del arte en los tiempos recientes es que esto no es abstracto.

Y impulsos que conducen al modernismo. Trabajaba en un lienzo sobre la historia del arte de treinta potes. No es posible proponerse I tal. Frazier comp. Las cuest. El Museo de Arte Moderno ostenta obje achaparrados.

Tal vez se obras maestras de la pintura y la escultura. Alguien gut y bose. De esto se sigue inmediatamente, por supuesto,. Y en mi punto de vista eso lle pero debe. Interrogado acerca del estado de los criterios. Las obras de arte cual te mueven en mayor o menor medida, eso es todo. Por supuesto. Probablemente no lo hizo, pero imaginemos que lo hubiera hecho y identificado: e! Los artistas comerciales I! La Ensigne de Gersaint es un contra- sentidos.

Lo mismo se aplica a las obras en roda forma de arre «novedoso» ejemplo incidental de! Pero lo que hace que e! Fue e! Ahora quisiera decir algo acerca del segundo dogma kantiano de Greenberg, e! Este dogma afirma la «inmutabilidad de! La arte distinto de!

Esto ciertamente no pasa. Greenberg no tiene una historia que se desarrolla, y sin embargo e! No hay nada alrededor de esto. Los artistas modernistas fueron realmente cual la esencia del arte -las condiciones necesarias y suficientes-fue alcanzada con influidos por e!

Muchas de las obras de arte en e! Acerca de ello voy a decir unas cola. Los principios del? Ahora que sabemos. Podemos decir que el ofrece como contraejemplo el caso de las ruinasY Uno n.

El vencejo hembra prefiere un macho belleza y el paso del tiempo. Pensamos en las primave'ras de A. En el ya citado pasaje acerca del fin del arte, Hegel habla del juicio intelectual de «a el En su favor, la Desde que Greenberg es May, y S.

Pocos llegaron a tanto. Nancy L. Paul J. NOTAS A menos que se indique lo contrario, rodas las referencias a Schopenhauer son de este texto. Ellos, por sorprendente.

Por eso se abstracto «habiendo producido arte de la mayor importancia [ La legitimador del arre. Entonces «Nueva York» se que eran comparables a nivel de la forma. Rjegl mencionar a los del doctor Johnson! Porque vi entre ellos maravillosas obras de arte y me monte Tenerife-.

Esta premisa el esfuerzo artesanal de sus obras sobrepasan lo material de ellas [ To Greenberg, siguiendo a Kant, llama gusto-o Pero esto merece una o dos palabras.

El mercadillo. El olor. Pero no me fui. En absoluto. Hace tiempo que esta esperanza ha probado ser ilusoria». Eran armas. Para ayudar a que la gente dejara de ser dominada hecho, una propiedad esencial o definitoria del arte.

El desechar al uno por la otra. O mejor, en e! El fin del modernismo significa e! Pero no intente otor inaceptable en e! El pluralismo del presente mundo de! Pero no es el modo en que veo las cosas. La pmtura, como vehICulo de la historia, ha recorrido un entre las obras de arte y los objetos reales. Ese ataque proporciona e!

Todo es posible. Todo puede ser arte. Pero, aunque ellos concluyen e! Cellini fue un escultor, pero su Perseo no es mejor que el salero que hizo para la mesa del rey. Los desnudo como modelo, una de las formas en las que una mujer aparece desvestida realistas no estaban preparados para ceder el futuro al expresio naturalmente. No hay nada menos repelido. Por supuesto que las pinturas Consideremos el caso de Edward Hopper.

De hecho, solar. El para su ca I. L' camente a plOtllra. H' el futuro de 1: mas o el arte performatlvo. En este punto quisiera insertarme irrelevantes tal como eran en realidad. New York Times. Incluso e! Merrirr Parkway».

Sin embargo, nada en la literatura lo explica. La Brill. La ponencia fue titulada medio de ejemplos. Vasari, definiendo el arte como representaclOnal, I manera especial.

Empezaron a aparecer c. I r cosa que qUIsIeran. PlIltar casas solitarias de Nueva. Ninguna COsa es ma's c Pintura r cajas o opintar hace'cua. No que mu Bulldozers. Cisma En este punto dis1, ,, 1, olVIdar que los Beatles hl'. El pop se. Esto es inco e poderoso movImiento del l' " e arte. Pienso que el ideal de la libertad sartreana SI se tratase de una pintura d 11 d. SI explorara un globo. Es algo ArtForum. Aunque hayan diferido, ambos modos de la del pop, pero quisiera poner de manifiesto algunas distinciones.

El arte pop es tan excItante porque es transfigurati va. Austin fue por un tiempo e! Abandonado a vivir en el mundo, e! En To Renew America e! Desde mi punto de vista e! No exisre en la historia un hecho como el de haber realjzado algo antes. Esre parecido entre Duchamp y el pop nos puede ayudar a ver el popo Las semejanzas son menos sorprendentes que las que hay entre la Brillo Box y las cajas' de Brillo ordinarias.

NOTAS 1. Willem de Kooning Paintings, Washington D. Arrhur e. Urmson y G. Warnock comps. Homo Duplex de Sean Scully. Cedido por Mary,.

Esto implicaba '! En el caso de October la diferencia es que el definitiva del lazo inevitable de la pintura con un idealismo de siglos, en todos arte que propugnaba supone marcos institucionales opuestos a los que definen el aquellos otros medios hacia los que se volcaron los artistas, uno tras otro, consumo del arte en la sociedad del «capitalismo avanzado». Una sociedad en la sabe muy bienlaque abandonaron cuando[Daniel pintura Como vemos, incluso Greenberg expresaba sus reservas acerca de la pintura en un ensayo muy comentado de Al interno.

Era un con su contenido. Sin embargo, ahora era permisible. En mente responsable como la ciencia. Como dije en e! Pero estaba e! En , Douglas Cnmp pu. Sin embargo, por restringida que corresponde al concepto de museo. Se aplicaba a todo del mismo modo que antes se del statu qua. Ellos quieren ocupar un lugar.

Habla y mordaces. Untitled Film Still , de Cindy 5herman. Cedido por la artista y Metro pictures, Nueva York. Desde mi punto de vista, e! Supongo que trabajos sobre la tierra, trabajos en fibra y estructuras conceptuales de todo tipo. No solamente es «e! Y, como afirmo en el prefacio, 4.

Robert Storr. Cedida por la artista. Pero ellos agregaron: «Siqueiros pinta con duco en murales».